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  1. S/Oggetti ParzialiCarlo Dell’AcquaCOn un teStODi AlfreDOFORNASETTI
  2. 25.09.19 — 16.11.19fornasetticorso venezia 21/amilano
  3. 4CARLO DELL’ACQUA5S/OGGETTI PARZIALIfornasetti presentaS/Oggetti ParzialiCarlo Dell’Acquala mostra S/Oggetti parziali fa parte del più am-pio Fornasetti presenta, uno spazio di dialogo con le altre arti ide-ato da Barnaba fornasetti, Direttore Artistico, con Valeria manzi, co-curatrice dei progetti culturali. Quest’iniziativa conferma l’approccio che Barnaba ha impresso negli anni all’atelier milanese e il suo impegno a creare, o in alcuni casi preservare, spazi di confronto e contaminazione creativa: “non si tratta di produrre idee nuove pronte all’uso e commercializzabili – non è questo il mio intento – ma di lasciare circolare pensiero. rimango convinto che creatività e immagina-zione siano strumenti di comprensione fondamentali e che ab-biano un profondo legame con la libertà. È qui racchiuso il senso profondo di quel che faccio”.entrando in contatto con il lavoro che Carlo Dell’Acqua ha sviluppato negli ultimi anni, in particolar modo sui suoi interventi concettuali su vetro e ceramica, Barnaba fornasetti ha invitato l’artista a lavorare su alcuni pezzi creati dall’Atelier, i più iconici, in un’operazione che a molti sarebbe parsa una viola-zione simbolica, oltre che fisica.l’artista ha accettato la sfida e si è ritrovato a con-centrarsi proprio su quel volto femminile, quello di lina Cavalieri, divenuto icona per eccellenza della creatività fornasetti. Quel sog-getto gli si è imposto su tutti gli altri – un’ironia, per un convinto aniconico – e l’ossessione per lina Cavalieri ha finito per contagiarlo.manipolati, fatti a pezzi, annientati e poi ricreati, gli oggetti in ceramica e porcellana, sui cui sono raffigurati diverse variazioni del volto di lina, ritrovano una nuova vita, divenendo altro.“Beauty must be broken daily to remain beautiful”, lo diceva Virginia Woolf e l’artista sembra averlo fatto proprio.↳ l’esposizione inaugura ufficialmente presso lo store Fornasettidopo un’anteprima a nomad Venice.fornasetti presentsS/Oggetti ParzialiCarlo Dell’Acquathe exhibition S/oggetti parziali by Carlo Dell’Acqua is part of the broader project Fornasetti presents, a space for dialogue with the other arts created by Barnaba fornasetti, Artistic Director, with Valeria manzi, co-curator of cultural projects. this initiative confirms the approach that Barnaba has hard-wired into the milanese atelier over the years and his commitment to creating, or in some cases preserving, spaces for creative exchange and cross-fertilisation: “it is not about producing fully-formed, marketable new ideas – that is not my intention – but about allowing thinking to circulate. remain convinced that creativi-ty and imagination are fundamental tools of understanding and that they are profoundly connected to freedom. this encapsulates the deeper meaning of what do.”Seeing the work that Carlo Dell’Acqua has developed in recent years, especially his conceptual interventions on glass and ceramics, Barnaba fornasetti invited the artist to work on some of the most iconic pieces created by the Atelier, in an operation that would to many have seemed a symbolic violation, as well as a physical one.the artist accepted the challenge and found himself concentrating on the female face, that of lina Cavalieri, which became the quintessential icon of fornasetti’s creativity. that subject stood out above all the others – ironically, for a convinced non figurative artist – and he ended up becoming infected by the obsession for lina Cavalieri.manipulated, torn to pieces, destroyed and then recreated, the ceramic and porcelain objects, which depict numerous variations of lina’s face, find a new life, becoming something else.“Beauty must be broken daily to remain beautiful,” said Virginia Woolf, and this artist seems to have embraced the idea completely.↳ the exhibition officially opens at the Fornasetti store after a preview at nomad Venice.
  4. 6CARLO DELL’ACQUA7S/OGGETTI PARZIALIIn Athenaeum Fragment 206, Friedrich Schlegel scrive: “Un frammento, come un’opera d’arte in miniatura, deve essere completamente isolato dal mondo circostante ed essere completo in se stesso come un istrice” (AF 206, 1798, vol.2, p.197). La dichiarazione di cui sopra mi interessa per due motivi. Innanzitutto, connette direttamente il frammento con l’o-pera d’arte. Quando incontriamo un’opera d’arte la associamo di solito a qualco-sa di piuttosto completo o, almeno, temporaneamente completo. Per opere più “tradizionali” come film, pittura, scultura, fotografia, tessile o ceramica – solo per citarne alcuni – la completezza dell’opera è quasi sempre data per scontata. Ma ciò è valido anche per il tipo di opere d’arte realizzate attraverso procedure partecipative, collaborazioni di gruppo a tempo indeterminato, composizioni architettoniche o temporanee, o lavori basati su software / coding – tutte prati-che artistiche che cambiano forma e risultato nel tempo, essendo solo uno stadio in un lungo processo. A mio avviso, ciò che lo spettatore / utente sperimenta con opere o performance artistiche che cambiano ad ogni manifestazione, è comun-que una versione abbastanza stabile: un’iterazione costante in quel contesto di spazio e tempo. Può essere solo una parte del tutto, ma è tangente, contestuale, presente e quando viene incontrata, individualmente o collettivamente, “trasferi-sce” ai sensi percettivi del ricevente un’idea di completezza.Incidentalmente, c’è un parallelo qui con quello che Inter-net è e fa come mezzo di massa. La rete è, per definizione, un insieme di tecno-logie, procedure e protocolli che divide il flusso di dati in operazioni più piccole e spesso reversibili – ogni elemento pubblicato online e ogni comunicazione è infatti riconducibile al suo indirizzo originale IP (Internet Protocol), quindi al computer che lo ha generato in primo luogo. I singoli dati non possono essere de-territorializzati, per così dire. La crittografia è semplicemente un modo ingegnoso per frammentare (ancora una volta questo termine entra in gioco) l’origine dei dati in più fonti, rendendo la tracciabilità più complicata ma teoricamente ancora possibile. Ma per la maggior parte dei suoi utenti, Internet è percepito come qualcosa di simile a un intero, un mezzo di massa – e archivio – a cui si può accedere e utilizzare come strumento, ispirazione, fonte e outlet. I frammenti infinitesimali di cui è composto, registrando ogni momento e ogni luogo in cui e quando un determinato dato (un testo, un’immagine, un suono) viene cliccato, apprezzato, non gradito, scaricato, riformattato, ecc., “scompaiono” all’interno dell’usabilità della sua superficie, molto simile a un’opera d’arte presentata a uno spettatore in un determinato momento e luogo.AlfreDO CrAmerl’idea del frammentoNella citazione di cui sopra Schlegel propone che non solo un’opera d’arte come frammento “può” essere isolata dal suo ambiente circo-stante, ma “deve” esserlo, per essere completa in se stessa.La seconda ragione per cui la citazione di cui sopra mi attrae è che, a mio avviso (e quello di Tanehisa Otabe dell’Università di Tokyo, che lo ha analizzato in profondità nei suoi scritti), Schlegel non sta insinuando realmente che il frammento non ha relazioni esterne. Ciò che dice è che l’es-senza del frammento (come un universo “individuale” e autonomo) può avere infinite definizioni possibili. Questo suggerimento mi porta a esplorare ulte-riormente le caratteristiche e le peculiarità del frammento. Schlegel afferma che le opere d’arte, riconosciute come tali dal pubblico per la loro completezza o “unicità”, non sono affatto opere d’arte, ma solo un frammento o una serie di frammenti. Le chiama assemblee o disposizioni. Credo fermamente che gli artisti comprendano intrinsecamente questa asserzione. I membri del pubblico non necessariamente (a meno che non siano artisti stessi). Schlegel suggerisce inoltre che la connettività presente in un’opera d’arte, ciò che la fa percepire come completa, in verità è un flusso di forze dinamiche. Queste, nella mia interpretazione, sono punti di forza simili a quelli della potenza o dell’energia che derivano dal frammento/i e generano relazioni di vario genere – da parte dell’artista, il suo lavoro, lo spazio in cui è presentato, il pubblico che lo fre-quenta, il curatore che lo media, il critico che lo valuta, il gallerista che può metterlo in vendita e il collezionista che potrebbe volerlo acquistare. L’unicità non è affatto unica. L’interezza viene dal completamento di queste relazioni.Se incoraggiati e lasciati “fermentare”, i frammenti danno vita a qualcosa di nuovo e intero. Un nuovo processo di pensiero, per esempio; o un piano, un nuovo sviluppo che si definisce arte. Possono essere frammenti del passato, ma anche frammenti del futuro – Schlegel pensa che “Ciò che conta è la capacità di idealizzare e realizzare simultaneamente le cose immediatamen-te, per completarle e realizzarle parzialmente in se stesse” (Athenaeum Frag-ment 22, 1798, vol.2). Queste realizzazioni prendono la forma di progetti, che è anche il termine comunemente usato dai professionisti dell’arte contemporanea per definire un’opera d’arte, una mostra, una pubblicazione o un evento. Prima di concretizzarsi come progetti, questi risultati iniziano come piani. Un piano, soggettivo per definizione (poiché deve esserci un organizzatore per concepire un piano), allo stesso tempo deve diventare obiettivo per potersi evolvere e avere la capacità di modellarsi in una totalità, un’unità. Un progetto che inizia come input soggettivo, una pratica artistica intesa come individuale e personale, alla fine fiorisce in una realtà oggettiva, qualcosa di diverso da se stesso.Qui, il parallelo tra il frammento e il progetto (artistico) viene alla luce: dalle antiche sculture che si spostano nel tempo e diventano esempio di frammento, contemporaneamente visualizzato e sperimentato nei musei come intera entità, ai codici di programma che si muovono attraverso cavi e satelliti come informazioni binarie e diventano esempio di azione completa, reazione e feedback. Si può sostenere che il progetto, progettato e compiuto al fine di realizzare un determinato obiettivo, è l’insieme iniziale di coordinate per il pianificatore; mentre il frammento, condizione preliminare di una futura uni-tà o residuo di un precedente tutto, viene fornito al suo spettatore / utente. E così, attraverso l’immaginazione, lo spettatore del frammento completa ciò che era ancora incompleto nel progetto del pianificatore.
  5. 8CARLO DELL’ACQUA9S/OGGETTI PARZIALIQuesto processo è, in sostanza, un’interazione e un’inter-sezione tra il reale e l’ideale, il presente e l’assente, l’obiettività e la soggettivi-tà. Ne deriva un paradosso interessante. In questa situazione, l’arte svolge la funzione di presentare quei punti di vista che non possono più esistere o che non possono essere ancora. Di conseguenza, ciò che dovrebbe essere criticato nell’arte non è ciò che è stato realizzato (il proprio passato), ma ciò che dovreb-be essere realizzato (i propri progetti). La critica, direi, è meglio indirizzata non al passato ma a un futuro (ideale). Che è il motivo per cui ho iniziato con Schlegel; infatti, questo è quello che il critico, filosofo e poeta afferma suc-cessivamente nel 1804: “La critica non dovrebbe limitarsi ai commenti sulla letteratura esistente, completa e sviluppata, ma funzionare come un orga-no (o strumento) della letteratura che deve ancora venire. In quanto organo della letteratura, la critica non si limita a spiegare e mantenere la letteratura esistente, ma è essa stessa produttiva - almeno indirettamente, attraverso la guida, l’ordine e l’evocazione” (vol. 8, p. 82). È un meraviglioso pensiero pro-gressista. È definita “critica produttiva” perché, in questa forma, il compito di accettare, includere, valutare, immaginare, condividere, è un insieme di forze, energie e poteri frammentari che si sforzano di anticipare un intero futuro dai frammenti presenti, impiegando l’immaginazione e perfino l’astrazione al fine di realizzare parti (mancanti) complementari di questo tutto.La nostra società è intrinsecamente frammentata a livello politico, culturale ed economico, perché è costruita su un’accettazione statica di narrazioni storiche, informative e culturali, piuttosto che su un’interpretazione interrogativa continua. Nella nostra attuale situazione sociale, Schlegel offre una lezione su come la filosofia ci insegni a pensare, l’arte ci insegni a concepire, e in che modo entrambe le discipline affrontino ciò che ciascuna produce – insieme a ciò che è già stato prodotto.referenze↳ tutti i riferimenti a friedrich Schlegel sono presi dalla Critical Edition(fKSA – friedrich Schlegel Kritische Ausgabe), 35 vols., ed. ernst Behler, Paderborn et al.: Schöningh, 1958. ↳ tanehisa Otabe, Friedrich Schlegel and the Idea of Fragment: A Contribu-tion to Romantic Aesthetics, “AeStHetiCS” no.13, the Japanese Society for Aesthetics / 59, 2009.↳ Chad elias, Interview with Boris Groys, in Chad elias (ed.), In Focus: On Three Posters2004 by rabih mroué, tate research Publication, 2015. ↳ Boris Groys, Art Workers: Between Utopia and the Archive “e-flux Journal” #45, may 2013. In Athenaeum Fragment 206, Friedrich Schlegel writes, “A fragment, like a miniature work of art, has to be entirely isolated from the surrounding world and be complete in itself like a porcupine” (AF 206, 1798; vol. 2, p.197). I am interested in this statement for two reasons.Firstly, it directly links the fragment with a work of art. This proposition interests me because when we experience a work of art we usually associate it with something complete or, at least, temporarily complete. For more “traditional” artworks like film, painting, sculpture, photography, textile or ceram-ics – just to name a few – the completeness of the work is almost taken for granted. However, I would contend that it is also the case for types of artwork realised through participatory procedures, open-ended team collabo-rations, architectural or spatially temporary arrangements, or software / coding instructions – those artistic practices that shift in shape and result on an ongo-ing basis, being only a step-point in a long process. In my view, what the viewer / user experiences with such works that unfold differently at every incarnation is a fairly stable version nevertheless; a steady iteration in that space and time context. It may be just a part of a whole, but it is tangent, contextual, present, and when encountered, individually or collectively, it “transfers” to the perceptive senses of the receiver an idea of completeness. Incidentally, there is a parallel here with what the Internet as a mass medium is, and does. The net is, by definition, an ensemble of tech-nologies, procedures and protocols that divides the flow of data into small, and often reversible operations – every item posted online and every bit of communication is indeed traceable back to its original IP (Internet Protocol) address, thus to the computer that has generated it in the first place. Individu-al pieces of data cannot be de-territorialized, so to speak. Encryption is merely a clever way to fragment (once more this term comes into play) the origin of the data into multiple sources, making traceability much more complicated but theoretically still possible. But for the majority of its users, the Internet is perceived as a single entity, a mass medium (and archive) which one can access and use as a tool, inspiration, source, and outlet. It is composed of infinites-imal fragments, registering every moment and every place when and where a certain piece of data (a text, an image, a sound) is clicked, liked, unliked, downloaded, reformatted, etc. These fragments “disappear” within the usabil-ity of its surface, very much like a work of art presented to a viewer at a certain time and place.AlfreDO CrAmerthe idea of fragment
  6. 10CARLO DELL’ACQUA11S/OGGETTI PARZIALIWhat Schlegel is proposing is that an art piece as a frag-ment not only “can” be isolated from its surroundings, but that it “has” to be isolated in order to be complete in itself. The second reason I was drawn to the quote is that, in my view (and that of Tanehisa Otabe from Tokyo University, who analysed it in depth in his writings), Schlegel is not really implying that the fragment has no external relationships. Rather what he is saying is that the essence of the fragment (as an “individual”, self-contained universe) can carry infinite pos-sible definitions. This concept inspires me to further exploration of the char-acteristics and peculiarities of the fragment. Schlegel claims that artworks, recognised as such by the audience for their completeness or “oneness”, are not artworks at all, but only fragments or a series of fragments. He called them assemblies or dispositions. I firmly believe that artists naturally understand this statement. Members of the audience may not (unless they are artists them-selves). Schlegel further elucidates his theory that the connectivity present in an artwork, which leads it to be perceived as complete, is in truth a flow of dynamic forces. These, in my reading, are power-like, or energy-like strengths that stem from the fragment(s) and generate interactions of various kinds – from the artist, the work, the space where it is presented, the audience who attend, the curator who mediates it, the critic who assesses it, the dealer who may put it up for sale and the collector who may want to buy it. Oneness is not one at all. Wholeness is achieved by completing these relations.If aroused and “fermented,” fragments give birth to some-thing new and whole. This could be a new process of thinking, for instance, or a plan, a development that defines itself as an artwork. The fragments can be from the past, but also from the future – Schlegel thinks that “What matters is the abil-ity to simultaneously idealize and realize things immediately, to complete them and carry them out partly within oneself.” (Athenaeum Fragment 22, 1798, vol. 2). These realizations take the shape of projects, which is also the most common term used by contemporary art practitioners to define an artwork, an exhibition, a publication, or an event. But before coming into fruition as projects, these results start off as plans. A plan, subjective by definition (as there must be a planner to conceive a plan) must at the same time become objective because it evolves and has the ability to shape into a totality, a oneness. The project that begins as subjective input, an artistic practice understood as being individual and personal, ultimately blooms into an objective reality, something different from oneself.Here, the parallel between the fragment and the (artistic) project comes to the fore; from ancient sculpture moving through time and becoming an exemplar of the fragment, but simultaneously displayed and experi-enced in museums as whole entity, to software codes moving through cables and satellites as binary information and becoming an exemplar of complete action, reaction, and feedback. It may be argued that the project, designed and imple-mented in order to realize a certain goal, is the starting set of coordinates for the planner; while the fragment, precondition of a future oneness or remnant of a former whole, is provided to its viewer / user. And thus, through imagination, the fragment’s viewer completes what is incomplete from the project’s planner.This process is, in essence, an interaction, and intersection, between the real and the ideal, the present and the absent, objecthood and sub-jectivity. It creates an interesting paradox. In this situation, art fulfils the func-tion of presenting viewpoints which cannot exist any longer, or which cannot yet be. Consequently, what should be criticized in art is not what has been realized (ones past), but that which could be accomplished (ones projects). Criticism, I would posit, is better addressed not to the past but to the (ideal) future. I start-ed this essay with Schlegel’s proposition because what he subsequently stated in 1804 is the following: “Criticism should not limit itself to commentaries on extant, complete, developed literature, but function as an organ (or tool) of lit-erature yet to come. As an organ of literature, criticism does not merely explain and maintain existing literature, but is itself productive – at least indirectly, by means of guidance, order and evocation” (vol. 8, p. 82). It is a wonderful pro-gressive thought. It is referred as ‘productive criticism’ because, in this form, the task of accepting, including, assessing, envisioning, sharing, is an ensemble of fragmentary forces, energies and powers that strive to anticipate a future whole from present fragments, employing imagination and even abstraction, in order to realize (missing) complementary parts of this whole.Our society is intrinsically fragmented on a political, cul-tural and economic level, because it is built on a static acceptance of historical, informational and cultural narratives, rather than an on-going, questioning interpretation. In our present societal situation Schlegel offers a lesson about how philosophy teaches us to think, how art teaches us to conceive and how both disciplines address what each is producing alongside that which has al-ready been produced.referen↳ All references to friedrich Schlegel are to the Critical Edition (fKSA – fri-edrich Schlegel Kritische Ausgabe), 35 vols., ed. ernst Behler, Paderborn et al.: Schöningh, 1958. ↳ tanehisa Otabe, Friedrich Schlegel and the Idea of Fragment: A Contribu-tion to Romantic Aesthetics, “AeStHetiCS” no.13, the Japanese Society for Aesthetics / 59, 2009.↳ Chad elias, Interview with Boris Groys, in Chad elias (ed.), In Focus: On Three Posters 2004 by rabih mroué, tate research Publication, 2015. ↳ Boris Groys, Art Workers: Between Utopia and the Archive “e-flux Journal” #45, may 2013.
  7. S/OGGETTI PARZIALIOpere Works
  8. 14Untitled (S/Oggetti Parziali), 201915Single-channel HD video B/n, looped
  9. 16Untitled (S/Oggetti Parziali) #117Untitled (S/Oggetti Parziali) #2
  10. 18Untitled (S/Oggetti Parziali) #319Untitled (S/Oggetti Parziali) #4
  11. 20Untitled (S/Oggetti Parziali) #521Untitled (S/Oggetti Parziali) #6
  12. 22Untitled (S/Oggetti Parziali) #723Untitled (S/Oggetti Parziali) #8
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